Cinemaparadiso

Nadie puede negar que los años sesenta fueran de gran importancia en la historia de la humanidad. Por aquellos años, en París, los estudiantes proponían la imaginación al poder, el hombre llegaba a la luna, los Beatles hacían bailar a la juventud desenfrenada, y el Che Guevara se internaba en la selva boliviana sin saber que ésa sería su última morada. Y es en esa convulsionada década en la que se planta Alejandro Agresti para contar la historia de Valentín. Con esta película, el director logra demostrarle al público la evolución que ha experimentado a lo largo de su carrera. Quizás por que los años lo han hecho crecer, pero lo cierto es que las historias que cuenta en la actualidad difieren bastante de las que contaba hace unos años. Así es como, la temática de Valentín, poco tiene que ver con las de guiones como “La Cruz”, “Buenos Aires viceversa” o “Una noche con Sabrina Love”.

La historia transcurre en el Buenos Aires de la década del sesenta. Valentín es un niño de ocho años, con una estética y un discurso muy particular, que vive con su abuela española (encarnada excelentemente por Carmen Maura) que a simple vista parece algo cascarrabias, pero a lo largo del film demuestra tener un gran corazón y querer mucho a su desvalido nieto.

La vida de Valentín no es nada fácil. A los cuatro años fue abandonado por su madre, y su padre (personificado por el mismo Agresti) en vez de llenar el vacío que dejó esta ausencia, aparece esporádicamente y acompañado de distintas mujeres, a las que Valentín desaprueba en todo momento haciendo uso de su “derecho de admisión”.

Pero todo cambiará para Valentín el día que su padre le presenta a una de ellas (Julieta Cardinali) y descubre que ésa es la que mas se asemeja al modelo de madre con la que él siempre soñó.

Así, en un mundo formado netamente por adultos , el pequeño deberá construir un espacio para desarrollar su complicada infancia e intentar ser un niño, aunque haya crecido de golpe y le hayan robado la inocencia empeñándose en demostrarle que la vida nada tiene que ver con lo que muchos imaginan.

En medio de ese universo, Agresti logra darle a cada personaje una identidad particular que incidirá directamente en el crecimiento prematuro de Valentín. De esa forma y a lo largo del filme desfilan: el vecino bohemio (representado por Mex Urtizberea) quien intenta enseñarle a tocar el piano y con quien filosofa acerca de la amistad, o el tío compinche (Jean Pierre Noher) con el que comparte el amor por el fútbol y quien le habla por primera vez de la redondez de los senos de aquellas que en pleno verano porteño los insinúan bajo sus ropas.

Respecto a las actuaciones, si bien todos los actores desarrollan muy bien sus papeles, es indiscutible que la gran estrella de la película es Rodrigo Noya -el niño bizco que cautivó al público argentino en su aparición en “Agrandaditos”(programa argentino en el cual un conductor entrevistaba a niños con diferentes aptitudes y gracias)ya que logra darle a Valentín un aire de frescura, pocas veces visto en la cinematografía nacional. Con ésta, su primera actuación, el simpático Noya ha escrito una línea más en la lista de los niños prodigio de la historia del cine.

La otra actuación que por sí sola merece un paréntesis, es la de Carmen Maura , quien personifica a la abuela insegura y enferma del pequeño, alcanzando un grado de genialidad interpretativa realmente sorprendente. Logra emocionar, enternecer e invita al espectador a que experimente sensaciones de amor y odio a medida que desarrolla su discurso y va dejando al descubierto su relación con Valentín.

Pero en este film, Agresti no sólo cuenta las desavenencias de Valentín, sino que se vale de la vida de este niño para pasar revista a los hechos más emblemáticos que forjaron la ecléctica etapa de los sesenta. Se entromete en temas como la política, las mujeres y hasta con la religión, de la cual hace una crítica sobre el binomio catolicismo-judaísmo. El padre de Valentín, como buen hijo de españoles, obviamente es católico, y existen grandes posibilidades de que su novia (Julieta Cardinali) sea judía, y a partir de allí el niño tendrá su primer experiencia con la religión al preguntarse ¿Los judíos son malos y los católicos son buenos? ¿O viceversa?

Muchos aseguran que éste es el trabajo más autobiográfico de Alejandro Agresti, y que el personaje de Valentín bien puede ser el niño que él mismo fue hace tiempo. Si esto fuera así, el film, pese a ser la catarsis de una convulsionada y traumática infancia, logra contar la historia desde la pureza de un niño, sin caer en el sentimentalismo barato o la lágrima fácil.

Al director inglés Stephen Frears siempre le interesó llevar a la pantalla aquellas historias que estuvieran emparentadas con temáticas sociales, o las que tratan temas netamente humanos. Tanto es así, que en “Relaciones peligrosas” (1991) protagonizada por Michelle Pfeiffer y John Malcovich, pone al descubierto hasta qué punto es capaz de llegar un individuo con tal de saciar su ambición de poder.En “Negocios entrañables”, Frears cuenta la historia de dos amigos –un nigeriano (Chiwetel Ejiofor) y una joven turca (Audrey Tautou) – que desde hace algún tiempo intentan sobrevivir en la indiferente y poco amigable Londres. Ambos no solo conviven en la misma casa, sino que, además, comparten el trabajo en un hotel de lujo ocupando los puestos de conserje y camarera respectivamente.

Todo parece desarrollarse tranquilamente en sus trabajos, hasta que un día el joven africano descubre un corazón humano, atascado en el inodoro de una de las habitaciones. A partir de allí, comenzará una investigación personal que lo llevará a descubrir, que detrás de la aparente opulencia que exhibe el hotel y de los pasajeros que alberga, se esconde una organización atroz que se dedica a traficar órganos de una manera “muy especial”.

Así es como, descubre que los cuartos de lujo del hotel son el sitio elegido para llevar inmigrantes ilegales, quienes a cambio de la extracción de algunos de sus órganos - en un quirófano precariamente montado para tal fin - se les otorga un pasaporte con la identidad alterada y los formularios sellados que demuestran que están habilitados para vivir tranquilamente en Londres como cualquier residente europeo.

El tema de los papeles en regla es uno de las cuestiones que les quita el sueño a la joven turca y a su amigo nigeriano. Ellos necesitan imperiosamente regularizar su situación, ya que en poco tiempo se terminan sus visados y pasarían a ser “ilegales”, perdiendo automáticamente sus trabajos en el hotel.

Encerrados en un callejón sin salida, los amigos comienzan a barajar la posibilidad de “donar” algún órgano a cambio del ansiado pasaporte, teniendo que enfrentarse al jefe de la banda, que para sorpresa de ellos, no es ni más ni menos que su propio compañero de tareas en la conserjería del Hotel (interpretado por el catalán Sergi López)

La película tiene varios aciertos: por un lado el armado del elenco ha sido muy acertado. Chiwetel Ejiofor desempeña un papel impecable y Audrey Tautou, da una prueba más de la gran capacidad interpretativa que había demostrado en “Amelie”, el brillante film de Jean Pierre Jeunet.

Por otro lado, lo más interesante en este film no es que toque el tema del tráfico de órganos, sino que, valiéndose de ese hecho, logra poner al descubierto las penurias a las que son sometidos aquellos inmigrantes que quedan a merced de estas redes que se aprovechan de su necesidad y desesperación.

De esta forma, basándose en la historia de estos dos amigos, el director describe los diferentes abusos a los que son sometidos los inmigrantes ilegales, y de esas escenas, se desprenden temas como la desigualdad, la lucha de clases, la explotación del hombre por el hombre y la xenofobia, entendida como una consecuencia inmediata de la crisis de valores que viven las sociedades modernas.

La película, que fue rodada íntegramente en la ciudad de Buenos Aires, se entromete con dos temas de tinte escabroso para la sociedad argentina; la época del proceso de reorganización nacional y el incesto.

El film, que fue “defenestrado” por la crítica europea en los distintos festivales en los cuales se presentó, parece no haber corrido con mejor suerte en nuestro país.

“Vidas Privadas” se centra en la historia de Carmen Uranga (interpretada por Cecilia Roth) una argentina exiliada en España durante los años de dictadura, que luego de idas y vueltas decide regresar a Buenos Aires, veinte años después, con motivo de la presumible muerte de su padre, un hombre de aparente familia patricia, encarnado por Héctor Alterio.

A partir de allí, se verá enfrentada al terrible pasado que creía ya olvidado, pero, el destino le tendrá preparada una última jugada que es mucho más terrible que las marcas de tortura impregnadas en su debilitada psiquis.

En cuanto a lo actoral, el brillo de Cecilia Roth no solo intenta salvar algunos baches de guión, sino que además, hace que los trabajos de los otros actores queden opacados; la intervención de Héctor Alterio es ínfima y la de Chunchuna Villafañe podría haber estado mejor elaborada, así como la inexpresiva e híbrida hermana que personifica Dolores Fonzi (de características similares a la que hizo en “Plata Quemada” de Marcelo Piñeyro).

Así, entre actuaciones poco memorables, y escenas que rozan lo grotesco y lo kitsch, se desarrolla la trama de la que pudo haber sido una interesante historia dadas las temáticas que se plantean en el guión.

Además, la elección del mexicano Gael García Bernal para el papel principal, no fue de las más acertadas, ya que el joven no aporta a la historia más que una cara bonita, y hasta tuvieron que doblarlo para ocultar su acento mexicano.

En definitiva, queda claro que Fito, en esta empresa, tuvo más pretensiones que talento y eso explicaría por qué no logra salir airoso con su obra. La recreación de “Edipo Rey” en una Argentina en la cual aún resuena el horror de la dictadura, se le diluye en el intento. Quizás en lo que falló, fue en haberse excedido con la carga dramática que le quiso dar a la historia, no habiéndose dado cuenta de que aquellos años, por sí solos fueron lo suficientemente trágicos, como para anexarles además, una tragedia ideada por Sófocles, cinco siglos antes de Cristo.

El film de Fernando Vargas sobre el “Che” fue el elegido para representar a Bolivia en los premios Oscar y Goya del 2006. El 13 de Octubre se estrena en Buenos Aires.


El nóbel director Fernando Vargas seguramente no habrá podido contener la emoción cuando el 28 de setiembre, el Consejo Nacional de Cine de su país, le comunicó que su ópera prima “Di buen día a papá” fue la elegida para representar a su país por partida doble; en enero del 2006 competirá por el Goya y dos meses después lo hará en la 78º entrega de los Oscar.

La película del joven director cuenta la historia de una familia vallegrandina, sus amores, sus conflictos y sus reconciliaciones durante los treinta años que transcurren entre la guerrilla del Che Guevara en 1967 y la exhumación de su cadáver en 1997.

Lejos del tono documental o netamente informativo, el film muestra al líder guerrillero de una forma muy particular. Lo que el director se propone mostrar no es la vida del Che, sino la influencia que dejó en la vida de los habitantes de Vallegrande.

En la historia, Guevara aparece como un personaje unidimensional y mítico, despojado de su rol de líder, pero revestido, en cambio, por algunas cualidades “sobrenaturales” que le confirieron los lugareños después de su muerte.

El Che como personaje aparece en tres momentos: primero, como un cadáver que llega del cielo y es expuesto ante los ojos asombrados de los pobladores. En segundo lugar, como un esqueleto que es hallado en una fosa común en el aeródromo del pueblo, y por último lo hace como una “almita” típica de las tradiciones andinas. En esta última aparición se lo muestra como un ser que, muerto fuera de su tiempo, vaga por el mundo haciendo de intermediario entre los vivos y los muertos.

El elenco está formado por actores nuevos, de diferentes países (Cuba, Francia, Argentina, Bolivia, México e Italia) y la producción fue realizada por Imagen Propia SRL, que es una empresa que tiene como objetivo principal solventar producciones destinadas a rescatar la identidad boliviana en toda su complejidad. A ella se adhirieron también la productora argentina Matanza Cine y el Instituto Cubano de Arte y la Industria Cinematográfica. Además el proyecto contó con el apoyo de IBERMEDIA, el CONACINE (Consejo Nacional de Cine de Bolivia) y el INCAA de Argentina.